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Rostros, lugares y la vitalidad de la mirada de Agnès Varda (1a parte) – Cineastas.mx

Rostros, lugares y la vitalidad de la mirada de Agnès Varda (1a parte)

A los 90, Agnès Varda de repente se encuentra exaltada como modelo para las mujeres en el cine; un ícono de la moda; amada por el mundo del arte con sus 40 películas como directora pionera. En los últimos 18 meses, recibió un Oscar, fue nominada para otro y creó una nueva obra de arte para la Bienal de Liverpool.

Sus películas, a menudo personales, siempre juguetonas y con un gran afecto por aquellos que ella documenta, han interrumpido las convenciones. Más que nada, a través de su mirada militante nos ha mostrado el mundo.

Agnès Varda guarda su Oscar en la cocina, en el mostrador, en un lugar que de otra manera podría estar ocupado por un tazón de fruta o una tostadora. La cocina, dijo Agnès a un entrevistador en 2002, 15 años antes de que llegara el Oscar, es «un reino muy femenino». No estoy diciendo que todos seamos cocineros o mujeres de la limpieza, pero las mujeres nos sentimos cómodas en la cocina ”. Ella trabaja en la mesa de la cocina, donde sus hijos, Rosalie y Mathieu, hicieron sus tareas, y donde Mathieu, cuando él va de visita, lee el periódico. Deje que otras personas coloquen sus Oscar en la repisa de la chimenea o en un estante, como el centro de un pequeño santuario. Agnès vive con el de ella, en la habitación que funciona como el corazón de su casa, un edificio de una sola planta pintado en cuatro tonos de rosa, la misma casa en la que ha vivido desde 1951, antes de hacer su primera película.

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Una figura familiar durante décadas en el circuito indie, Agnès ha ascendido recientemente a un mayor grado de celebridad. Es un ícono de la moda («A los 89, Agnès Varda Stopped Our Hearts in Gucci», el sitio web de Vogue en Estados Unidos elogió su conjunto de alfombra roja, una túnica con estampado de rosa y pantalones bordeados con rayas). Ella es una modelo para las mujeres en el cine, exaltada como pionera en Hollywood ahora que el movimiento #MeToo ha derrocado a un puñado de capos. Ella es una querida del mundo del arte, montando instalaciones en ferias internacionales, galerías y museos, el veranopasado en París y Tokio y en la Bienal de Liverpool.

En entrevistas y apariciones en público, Agnès interpreta una versión tardía de sí misma, como un artista regordeta y excéntrica, muy excéntrica, vestida en tonos de púrpura («Envejecer, el color me hace bien») con su corte de tazón característico. Pelo enrojecido, plateado en la corona, color burdeos en un halo alrededor de su cara. Pequeña en estatura, con una presencia desproporcionadamente grande, habla con un enfoque intenso, alternando entre su francés nativo y un inglés notablemente suave, sazonado con giros de segundo idioma. Había empezado en junio en París, con quimioterapia. Ahora, a los 90 años, ha tenido su parte de tribulaciones médicas, que incluyen dos reemplazos de cadera y un diagnóstico anterior de cáncer: información que no ofrece de manera voluntaria, pero que proporciona cuando se le pregunta, como meras afirmaciones de hecho, sin autocompasión ni la más mínima súplica por la simpatía. «Está bien», dice ella. «Está bien. Decidí que debía poner el acento en lo que me encanta hacer «.

Agnès Varda y JR, directores de 'Caras y lugares'

Agnès terminó de promocionar su película más reciente, Visages Villages (Faces Places) en colaboración con JR, un artista callejero francés de 35 años, la película documenta sus viajes por el campo francés en una camioneta equipada con una impresora gigante; se encuentran con personas y las fotografían, luego montan sus retratos más grandes que el tamaño natural en edificios, contenedores de transporte, un granero… Son una pareja extraña, Agnès y JR. Presentados por Rosalie, decidieron trabajar juntos de inmediato. «Fue amistad a primera vista», dice JR en la película. En el transcurso de su colaboración en la cámara, llegamos a conocerlos a medida que se van conociendo.

Aunque Faces Places recibió una nominación al Premio de la Academia al mejor documental, el Oscar de Agnès es un logro para toda la vida. Ella lo considera como una especie de premio de consolación. «Me siento halagada, pero no tanto», dijo ella. Es lo último en una serie de premios y distinciones; otros han sido otorgados por los festivales de cine en Cannes y Locarno, la Academia de Cine Europeo y Harvard, donde dio una serie de conferencias como Profesora Norton, que reconocen su carrera en su en su totalidad, como si fuera el momento de que ella lo coloque en una balanza, la pese y se retire.

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Pero la jubilación parece no estar en ninguna parte en la lista de tareas pendientes de Agnès. Ella continuó editando una nueva película sobre su trabajo, Varda par Agnès, con la intención de reemplazar las muchas conferencias que ha dado y liberarla de la necesidad de viajar tanto. «Esta película viajará … ¡y me quedaré en casa!», Decía ella. Varda par Agnès es como una clase magistral, «pero odio la palabra» maestro «y odio la palabra » clase «. En cambio, ella lo llama su» testimonio «, documentando» lo que quería hacer para cada película. Si tuve éxito o no, ¿cuál fue el proyecto?

¿Su nueva fama le ha facilitado la vida? «En absoluto», contestaba ella. «Nada ha cambiado. Todavía tengo dificultades para encontrar dinero «.

Rosalie, quien actuaba como su productora, sostiene que encuentra esto «increíble». «Usted pensaría», dice ella, «con todo lo que ha estado sucediendo, sería más fácil producir nuevos proyectos, pero no». Agnès y JR crearon Faces Places sin saber si o dónde encontrarían el dinero para terminarlo. . Al final, perdieron un porcentaje de sus propios honorarios para hacerlo.

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Agnès Varda: «El cine tiene que tener sentido y no simplemente dinero»
Agnès Varda rebosa modestia pero se sabía especial. 90 años, más de 60 años dirigiendo decenas de películas, entre ficciones y documentales, historia viva del cine, precursora de la Nouvelle Vague. ¿Hay alguien igual ahí afuera? “He visto la lista de Premios Donostia pasados y todos son estrellas. No sé si es la primera vez que se lo dan a una persona marginal, honesta, pero que no gana dinero. No es el hecho de ser mujer lo excepcional, sino ser una cineasta especial”, definió.

 

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Agnès, nacida en 1928 en Ixelles, un suburbio de Bruselas, huyó de la invasión alemana de Bélgica cuando tenía 12 años junto con su padre griego, su madre francesa y sus hermanos; Ella era la hija mediana de cinco. La familia se reasentó en Sète, un pueblo de pescadores en el sur de Francia, en la ciudad natal de su madre y, finalmente, en el lugar de su primera película, La Pointe Courte, en 1954. Para entonces Agnès se había mudado a París, donde estudió literatura y psicología en la Sorbona, seguida de historia del arte en la École du Louvre y fotografía en la École technique de photographie et de cinématographie en la rue Vaugirard. Encontró trabajo como fotógrafa, tomando retratos familiares, fotos de bodas y fotos de recuerdo de niños con Papá Noel en una gran tienda de departamentos hasta que fue contratada a tiempo completo por el Théâtre National Populaire.

Hubo varios cineastas en los primeros años de la industria, antes del sonido, pero en la década de 1950 habían desaparecido. Los trabajos más altos estaban ocupados por hombres. ¿Dónde encontró Agnès la audacia para dirigir? Según su propia cuenta, ella no había visto más de 10 películas. Ingenua, afirma, y ​​desconociendo los precedentes considerados ampliamente como obras maestras de la forma, no sabía lo suficiente como para sentirse intimidada. Quería hacer una película que quisiera ver. «Me irrité porque, en las pocas películas que había visto, siempre me pareció que [ellas] estaban preocupadas por dramas, crisis, cosas que sucedieron», dijo a un entrevistador siete años después. “Vemos historias donde las parejas se divorcian o pelean o … llega un amante o … uno de los dos muere. Encuentro que siempre suceden demasiadas cosas «. En su lugar, quería capturar el estancamiento que establece» cuando las personas ya no se aman lo suficiente, pero ves que aún se aman «.

Agnès financió La Pointe Courte, con un «presupuesto muy pequeño» de aproximadamente $ 14,000 (en un momento en que una película típica cuesta más de 20 veces esa cantidad), con una pequeña herencia de su padre y un préstamo de su madre. Ella formó su propia compañía de producción, Tamaris Films, se convirtió en Ciné Tamaris en 1977 y sigue siendo la entidad detrás de todo su trabajo, lo que le permitió eludir cualquier problema de autoridad que de otro modo podría haber encontrado como una mujer a cargo en un set de filmación. Los técnicos, dice ella, la respetaban porque entendía la luz y hablaba su idioma.

La Pointe Courte, con sus imágenes en blanco y negro, artísticamente compuestas, ha sido considerada retrospectivamente como un precursor de la Nueva Ola francesa, y aunque rechazó cualquier conexión con el movimiento y sus teorías, la película destacó la reputación de Agnès como un innovador Aquí, como en la mayor parte de su trabajo que sigue, parece ajena a las categorías, combinando ficción y elementos de reportaje típicos de documentales. Inspirada en The Wild Palms de William Faulkner, una novela cuya estructura alterna entre dos historias que nunca convergen, La Pointe Courte contrasta a una pareja de París, interpretada por actores que recitan diálogos literarios de alto vuelo, con habitantes reales de la ciudad, improvisando. Conversaciones en la lengua vernácula local.

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En lo que se convertiría en un tema corriente en el trabajo de Agnès, el lugar es parte integral de la identidad personal. Solo el protagonista masculino, de Sète, puede comprender tanto la vida en París que representa la mujer como la vida de los residentes de la ciudad que él ha dejado atrás. Su posición debe haber sido paralela a la de Agnès en ese momento, como una hija nativa que se había mudado de una provincia remota a la capital, encontrando almas gemelas entre los artistas e intelectuales de la ciudad sin renunciar nunca a su afinidad con las personas de su hogar.

La respuesta a la película fue mixta, algunas predeciblemente desdeñosas por razones sexistas. «Tanto el intelectualismo en una mujer joven es angustiante», escribió Jacques Siclier, un respetado crítico. François Truffaut, aún no establecido como cineasta, no pudo resistir un comentario sarcástico sobre el parecido de Agnès con su protagonista.

En las películas que siguieron, ella se embarcó en un curso autodidacta de dirección, estableciéndose asignaciones. Primero, hora: en Cléo de 5 a 7 (Cléo de 5 a 7) de 1962, exploró la diferencia entre los 90 minutos medidos por un reloj y experimentados por una mujer que esperaba los resultados de una biopsia de cáncer. Luego, color: en Le Bonheur (Felicidad) de 1965, usó una exuberante vegetación llena de flores, evocando las pinturas de Renoir y Monet, como el escenario incongruente para un marido filanderoso, su familia y un inquietante desenlace. Y, más tarde, viajando: en Sans toit ni loi (Vagabond), en 1985, Agnès rastrea a una joven llamada Mona, que vive como un vagabundo, mientras se mueve constantemente de derecha a izquierda a través del marco, en contra de la forma en que nuestros ojos se mueven a través de un página. Esto crea una impresión, aunque sea subliminal, de resistencia, un sentimiento de que Mona va en contra de la corriente de la sociedad. Es el tipo de dispositivo formal cuidadosamente considerado que es típico de Agnès, tan sutil que pasa desapercibido.

 

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