Top 10: Películas clásicas de Hollywood que todo joven cineasta debe de ver

Cada quien crea su propia historia, pero para hacerlo, antes debe de conocer otras historias que le pueden ayudar a concretar esa historia. Es por eso que aquí les dejamos 10 películas hollywoodenses, de las cuales ningún joven cineasta debe de perderse en la vida.

Una palabra para los individuos más maduros que buscan introducir a los más jóvenes al mundo del cine. Buscar imágenes que todavía tienen un pulso, una fuerza vital que muestra una conexión con la vida como se sabe todavía, a pesar de las diferencias entre modas. No esperes que los jóvenes amen algo simplemente porque era popular en tu juventud, lo amabas o evoca recuerdos sentimentales de otra época.

Aquí va la lista para que no se pierdan en la vida estas diez cintas:

10.- El Hombre Mosca (Safety Last!, 1924)

El hombre mosca es una película de cine mudo protagonizada por Harold Lloyd.

Un joven emigra a la ciudad en busca de un futuro mejor. Cada poco tiempo envía cartas a su novia en las que le habla de lo bien que le van las cosas, lo que no es cierto. Finalmente, hace un trato con un amigo para trepar un edificio. La imagen de  Harold Lloyd colgando de un reloj colgante en esta película es una de las más famosas en la historia del cine.

9.- La Novia de Frankenstein (Bride of Frankenstein, 1935)

La Novia de Frankenstein es una película de terror y ciencia ficción dirigida por James Whale y estrenada en 1935. Es la secuela de Frankenstein (1931), y, como en ella, desempeñaron roles principales los actores Boris Karloff y Colin Clive. La cinta cuenta también con la actuación de Elsa Lanchester, que encarna a Mary Shelley y a la novia del monstruo, y con la de Ernest Thesiger en el papel del doctor Pretorious.

Mientras que las películas de terror más antiguas pueden ser arriesgadas hoy, su último gran arco es una historia diferente. El director James Whale fue un cineasta como ningún otro y no quería hacer una secuela de su famoso éxito Frankenstein (1931). Sin embargo, una vez coaccionado, él empleó a un número de otros artistas gays (no todos los contribuyentes, pero bastantes) para crear una película tanto divertidísima como terrorífica.

8.- Fenómenos (Freaks, 1932)

En 1931 el director Tod Browning. había alcanzado un gran éxito con Drácula. Decidió volver a la Metro-Goldwyn-Mayer y hacer otra película. En ese momento su amigo Harry Earles, un enano alemán, le sugirió la idea de adaptar el cuento corto de Tod Robbins, Espuelas (Spurs, 1932), acerca de la venganza de un enano, artista de circo, hacia la trapecista que intentó quedarse con su dinero casándose con él. Earles pasa a protagonizar el film en el papel de Hans, el enano protagonista. Durante el rodaje Browning amplió el número de intérpretes con deformidades físicas reales que desfilarían en la pantalla, de manera tal que estos se convierten en el verdadero centro de la historia, simplemente mostrando en escenas cotidianas su forma de vivir.

El potente ingrediente era que los intérpretes de circo eran reales y seguían siendo “monstruos” después de que Browning lo dijera “corte” por última vez. Freaks puede ser una película de terror pero su corazón está con los monstruos.

7.- Tiempos modernos (Modern Times, 1936)

Tiempos modernos es un largometraje de 1936 escrito y dirigido, por Charles Chaplin, que fue también el actor principal. Esta película es un reflejo de las condiciones desesperadas de las cuales era víctima un empleado de la clase obrera en la época de la Gran depresión, en la visión dada por la película, por la eficiencia de la industrialización y la producción en cadena.

Parece extraño encontrarlo tan temprano en la lista, pero, lamentablemente, el trabajo de Charles Chaplin a menudo tenía una racha sentimental arraigada en su época áspera de la era victoriana, que no siempre se ajusta bien con las generaciones más jóvenes. Quizás la mejor introducción a Chaplin y The Tramp es, irónicamente, la apariencia final del personaje.

 

6.-Más corazón que odio (The Searchers, 1956)

The Searchers es una película estadounidense de 1956 basada en la novela de Alan Le May, dirigida por John Ford y protagonizada por John Wayne.  Steven Spielberg dijo de ella que era “la mejor película de la historia”. Fue rodada íntegramente en exteriores naturales de gran belleza, como Monument Valley, de Utah.

Ethan regresa a su casa después de haber estado en la guerra y al poco tiempo toda su familia es asesinada por los comanches, y su sobrina raptada. Jura rescatar a su sobrina y matar a todos los indios que hayan intervenido en estos actos criminales. Durante cinco largos años persigue a los comanches, acompañado de su sobrino Martin.

Para muchos, el cineasta más grande de la historia de Estados Unidos es John Ford, un director-productor altamente experto que en la parte superior de su profesión desde la Primera Guerra Mundial hasta mediados de los años sesenta. A pesar de que hizo muchos tipos de películas y todavía tiene el récord de haber ganado la mayoría de los Oscar por dirigir (cuatro), muchos hoy declaran que sus westerns excepcionalmente visionarios fueron su mayor contribución a la historia del cine (y ninguno de sus Oscar fue para un western) .

5.- El Mago de Oz (The Wizard of Oz)

Sí, TODOS la conocen. Esta historia de una niña volada a una tierra mágica y tratando de volver a casa a pesar de las maquinaciones de una bruja malvada, pero con la ayuda de tres compañeros improbable es una de las películas más famosas jamás hechas. Sí, tiene música memorable, colores vivos, juegos magníficos, trajes y maquillaje y un elenco estelar de apoyo, pero tiene un ingrediente realmente mágico.

Después de no poder asegurar a la famosa estrella infantil Shirley Temple, los productores reclutaron a Judy Garland como la heroína. Esto fue un golpe de suerte porque ella no sólo es excelente como cantante, sino que su sincera y emocionalmente sincero rendimiento es lo que realmente hace que esta película funcione.

El espectador cree en el personaje y su búsqueda (que algunos podrían encontrar equivocada) para volver a su casa monótona porque Garland hace creer que el personaje cree en él. Esta es realmente una historia que muchos jóvenes pueden entender, ya que se refiere al viaje que los jóvenes deben emprender a través de la vida y la esperanza de cómo todo saldrá al final.

4.- La Ventana Indiscreta (Rear Window, 1954)

Si hay un tesoro que los espectadores más jóvenes necesitan absolutamente experimentar, es la obra de suspenso del director Alfred Hitchcock. Considerado como un buen artesano durante gran parte de su vida, Hitchcock es ampliamente considerado uno de los mejores realizadores de cine de todos los tiempos. Él era el “maestro del suspense”, sí, pero también el maestro de la técnica de la cámara, la imagen y la edición, todos entregados con un sentido de la diversión subversiva.

Muchas películas de Hitchcock podrían representarlo en esta lista, pero La Ventana Indiscreta, uno de sus logros más audaces, es un gran ejemplo de su trabajo. Un fotógrafo de acción (interpretado por James Stewart, un favorito de Hitchcock) está atrapado en su apartamento gracias a una pierna rota.

Con nada más que hacer, excepto evitar las súplicas matrimoniales de su imponente novia (Grace Kelly), comienza a mirarla a través de los vecinos del patio y comienza a darse cuenta de que el desgraciado hombre con la esposa crónicamente enferma puede haberla acabado … Establecer completamente en el apartamento del hombre, la película muestra cómo la cinematografía ingeniosa puede convertir lo que parece limitaciones en grandes activos.

3.- El Ciudadano Kane (Citizen Kane, 1941)

¿La película más grande de todos los tiempos? ¿Hay algo así, de verdad? A pesar de esa facturación hiperbólica, El Ciudadano Kane es uno de los grandes momentos de la historia del cine.

Orson Welles, hasta entonces un nombre prominente en el escenario y la radio, llegó a Hollywood a los 26 con un contacto sorprendente que le permitió la completa libertad para hacer su debut. Él contó la historia de vida (algo ficticia) de un magnate megalómano del periódico que domina las vidas de aquellos alrededor de él, incluyendo sus lectores inmensos, para bien o mal.

La historia fue interesante, pero el valor fue de la manera innovadora que Welles y el reconocido director de fotografía Gregg Toland contaron. Welles tenía muchas nuevas ideas propias y trajo un número de la historia de la película temprana que había caído en desgracia ya que dio nuevas vueltas (grandemente facilitadas por Toland). Aunque no fue un éxito en ese momento y su influencia tardaría unos años en sentirse, la historia del cine nunca sería la misma después de Kane.

Además, tanto la historia de la película como la vida posterior de su creador, podrían enseñarles a los jóvenes una lección valiosa, aunque infeliz, sobre la ambición juvenil frente a la agitación incesante del tiempo. También cabe señalar que las elecciones presidenciales de los Estados Unidos de 2016 tuvieron más que algunos ecos de Kane.

2.- Lo Que el Viento se Llevó (Gone With the Wind, 1939)

Para algunos, la mejor cinta con el mejor lenguaje cinematográfico. Lo que el Viento se Llevo, basada en la novela del mismo título de Margaret Mitchell, su rodaje, que duró 125 días, supuso cambios importantes en la técnica cinematográfica. En el momento de su estreno fue la película más cara que se había rodado, también de las más galardonadas por haber recibido diez premios Óscar, récord que mantuvo hasta el año 1959.

Los que muchos no saben, es que se llegó a rodarse con cinco directores distintos: B. Reeves Eason, Sam Wood, William Cameron Menzies, George Cukor y Victor Fleming.  Se cuenta que el director que debía haberla realizado es George Cukor, quien apoyó la elección de Vivien Leigh, pero Clark Gable exigió su sustitución, según rumores porque Cukor (reconocido homosexual) conocía detalles del pasado de Gable y éste se sentía incómodo a su lado. Cuando Vivien recogió su óscar por esta película, cuentan que fue vista llorando en un cuarto de baño porque lamentaba que George Cukor no pudiese compartir con ella ese momento. De los cinco directores, sólo Victor Fleming aparece en los títulos de crédito.

1.- Casablanca (1942)

Casablanca es una película estadounidense de 1942 dirigida por Michael Curtiz. Narra un drama romántico en la ciudad marroquí de Casablanca, bajo el control del gobierno de Vichy. La película, basada en la obra teatral Everybody comes to Rick’s (Todos vienen al café de Rick), de Murray Burnett y Joan Alison, está protagonizada por Humphrey Bogart en el papel de Rick Blaine e Ingrid Bergman como Ilsa Lund. El desarrollo de la película se centra en el conflicto de Rick entre —usando las palabras de uno de los personajes— el amor y la virtud: Rick deberá escoger entre su amada Ilsa o hacer lo correcto. Su dilema es ayudarla o no a escapar de Casablanca junto a su esposo, uno de los líderes de la resistencia, para que este pueda continuar su lucha contra los nazis.

En su tiempo el filme tenía todo para destacar ampliamente, con actores renombrados y guionistas notables, sin embargo ninguno de los involucrados en su producción esperaba que este pudiese ser algo fuera de lo normal. Se trataba simplemente de una de las docenas de producciones anuales de la maquinaria hollywoodense. Casablanca tuvo un sólido inicio pero no espectacular y, sin embargo, fue ganando popularidad a medida que pasó el tiempo y se fue colocando siempre entre los primeros lugares de las listas de mejores películas. La crítica ha alabado las actuaciones carismáticas de Bogart y Bergman y la química entre ellos, así como la profundidad de las caracterizaciones, la intensidad de la dirección, el ingenio del guión y el impacto emocional de la obra en su conjunto.

 

Ya esta la primer lista de películas que tendrán que ver los jóvenes cineastas o cinéfilos para entender bien el mundo del cine, y como uno se rodea de ello. Cuéntanos que película crees que falto y dinos de que quieres que sea nuestra siguiente lista.

What's your reaction?
0Facebook