Technicolor más de 100 años transformando el cine

En los inicios del cine, agregar color a las películas en blanco y negro era algo así como “poner labios rojos a Venus de Milo”. Es decir, tenía el potencial de resultados desastrosos y chillones. Y así es como el legendario director Albert Parker se refirió al proceso de colorear películas en 1926.

Mary Pickford también usaba la referencia de la Venus para referirse al color en las películas, la usaba para lamentar el auge de los fanáticos. Al igual que con el sonido, agregar color a las imágenes en movimiento representó un cambio revolucionario en la narración en pantalla, y no todos estaban convencidos de que valía la pena el cambio. Incluso aquellos que estaban entusiasmados con el cine en color sentían inquietud. “El color nunca debe dominar la narrativa”, dijo Parker al Times. “Hemos intentado obtener una especie de brillo satinado en las escenas y siempre hemos evitado luchar por los efectos prismáticos … Nos damos cuenta de que el color es violento y por esa razón lo restringimos”. Hoy, estamos acostumbrados a ver que las opciones de color establecen el tono de una escena, una película, incluso un cuerpo entero de trabajo. Un ejemplo puede ser el uso de color por parte de Stanley Kubrick de los rojos supersaturados para aumentar la tensión.

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Technicolor cumplió 100 años en 2016 y aunque Technicolor se incorporó en 1915, no fue hasta después de la Segunda Guerra Mundial que las audiencias a todo color comenzaron a ser aceptadas por el público como algo más que una moda pasajera. En las décadas de 1920 y 1930, Technicolor todavía era experimental, a menudo hasta el punto de ser absurdo. “Especialmente en los primeros días de la década de 1920, fue un proceso de dos colores, por lo que no pudo capturar todo el espectro“, dijo James Layton, uno de los autores de The Dawn of Technicolor. “No se pudieron obtener los azules, morados o amarillos apropiados. Si filmo algo que era púrpura, podría salir negro o marrón“. El proceso de dos colores funcionó al filmar con un prisma divisor de haz detrás de la lente que dividiría la luz en dos caminos; Una filtrada roja y la otra filtrada verde.

Los cineastas sólo podían priorizar ciertos colores por su naturalidad: eligieron el rojo para el tono de la piel y el verde para el follaje. “Lo que significaba que los cielos nunca se producirían con precisión, y el agua no“, dijo Layton. “Pero a ellos no les importó que la paleta de colores fuera un poco rechazada porque si la gente parecía natural, las audiencias estaban dispuestas a perdonarla un poco, o aceptar el resto como algo natural, aunque no lo fuera. Hay algunos ejemplos excelentes. Una escena de playa … donde el cielo es de un verde muy vivo, es muy poco natural “.

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Eso comenzó a cambiar con The Black Pirate, una de las películas tempranas de Technicolor más famosas filmadas en su totalidad en color, y con mucho cuidado. Douglas Fairbanks decidió que iba a hacer una película completa en color, que era muy cara”, dijo Layton. “En realidad, después de meses y meses de pruebas, decidió que lo grabaría por completo en el estudio y controlaría cada color. Construyó el barco en su estudio y tenía una piscina. Era completamente artificial hasta las palmeras. Pintaba las hojas en los árboles, pintando efectivamente el plató de cómo sabía que resultaría “.

Fairbanks, considerando el proyecto como una obra maestra artística, se inspiró en los maestros holandeses. Incluso puso personajes de fondo con trajes extra oscuros para lograr una sensación de profundidad, una idea que obtuvo al mirar pinturas, según The New York Times en 1926.

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A medida que Technicolor se fue desarrollando, los científicos de la década de 1930 trabajaron en establecer un “espectro emocional” que podría reflejar la relación con la que los diferentes colores impactan con las personas. Los investigadores desarrollaron un espectro basado en el uso del color en los teatros.

Mientras tanto, la industria del cine estaba considerando qué significaba la adición de color como un dispositivo narrativo. “Algo que se había traído al mundo y que no estaba allí antes“, escribió en 1935 Robert Edmond Jones, escenógrafo de Broadway, sobre el proceso Technicolor recién perfeccionado. El Mago de Oz, en 1939, empleó uno de los usos más famosos de Technicolor como narrativa: el momento en que Dorothy deja su realidad en tonos sepia por la colorida tierra de Oz. También fue en la década de 1930 cuando los camarógrafos de Technicolor, antes vistos como meros técnicos, comenzaban a ser reconocidos por su trabajo artístico.

Estamos tratando no solo con el color por sí mismo, sino con el color al servicio del drama, aquí está la fuerza dinámica que se encuentra detrás de este extraordinario nuevo invento. La promesa de que el color es para los productores de películas cinematográficas es que sus películas (en las manos adecuadas) pueden no solo ser más bellas sino incomparablemente más poderosas que antes.

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“Pero a medida que vemos a los actores de la pantalla apartando sus velos de sombra gris y emergiendo uno por uno en este nuevo y brillante mundo de color, es imposible no sentir que estamos en el umbral de una emocionante aventura en un nuevo Forma del arte dramático “.

Hay cierta ironía en el hecho de que el coloreado de la película, aparentemente para que se parezca más al mundo real, puede haber cimentado la calidad de evasión e idealizar tonos. El proceso de tres colores, en particular, creó películas con colores tan eléctricos que eran surrealistas. Esto continuó a través de la era en la que Gene Kelly, Judy Garland, Betty Grable y otros se convirtieron en superestrellas, una era que aún se conoce como la edad de oro de Hollywood.

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Technicolor había desarrollado esta paleta saturada y muy vibrante, cuando estas películas empezaron a volverse más coloridas, a eso reaccionaba el público. Les encantó esta paleta artificial, fantástica y exagerada. Y así es como cambia el color. Es idealizado“.

Los procesos de coloración que siguieron se basan en esta estética supersaturada, tanto que la gente ahora asocia películas y fotografías ricamente coloreadas con nostalgia por el pasado. El filtro de Instagram “1977“, por ejemplo, tiene un nombre explícito por el momento en la tecnología cinematográfica que refleja. De la misma manera, la estética brillante y descarada que las personas ahora asocian con los primeros días de Technicolor fue en sí misma un reflejo de los procesos cinematográficos que crearon una versión más rica e inundada de colores del mundo real. Tenemos estos recuerdos de perfección rosada que miran hacia atrás pero mucho de eso se debe a la tecnología.

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