LAS CÁMARAS USADAS EN LAS 52 PELÍCULAS PRESENTADAS EN SUNDANCE 2019 (2A PARTE)

Directores de Fotografía y Realizadores comentan cómo crearon el aspecto de sus películas en las secciones Dramatic Competition, Next, Premieres y Midnight:

“Imaginary Order”

Dir: Debra Eisenstadt, DoP: Franck Tymezuk

Format: 2.8K arri
Camera: Arri Alexa Mini
Lens: Cooke S4

Tymezuk: Elegí la Alexa Mini porque es una cámara muy versátil. Teníamos mucha cámara en mano y es la cámara perfecta para lograr una función independiente. Las cámaras Arri son las más fiables del mercado. Es muy raro meterse en problemas con la electrónica. Cuando grabas de manera constante durante 16 días, uno de los temores es tener algún problema con la cámara. No puedes esperar por una cámara de reemplazo. Todas las tomas que faltan se van para siempre.

El Cooke S4 trajo el mejor contraste, nitidez y suavidad para contar la historia de Debra. Además, son muy ligeros y fue fácil de usar en la cámara en mano. Estoy muy contento con todos los primeros planos que hemos hecho sobre los actores que se usaron los lentes largos S4. Es una óptica. También teníamos un Angenieux Zoom 25-250. Fue muy útil para las tomas de automóviles y en exteriores para ajustar el marco con un zoom. Los 25-250 mm coinciden perfectamente con el Cooke S4.

“The Last Black Man in San Francisco”

Dir: Joe Talbot, DoP: Adam Newport-Berra

Format: 3.2k ProRes
Camera: Arri Alexa Mini
Lens: Zeiss Master Primes, Angénieux Optimo 24-290

Talbot: Estaba increíblemente emocionado de filmar una película en San Francisco. Es una ciudad con una rica historia y cultura, una luz increíble y una arquitectura evocadora. Es una ciudad cuya sangre vital es suministrada por la clase media, pero glorificada y disfrutada por los acaudalados recién llegados que concentran sus barrios. Para mí era importante encontrar el matiz en esa yuxtaposición, honrando el pasado de San Francisco y al mismo tiempo rastrear su complicada evolución hacia la ciudad moderna, a menudo áspera que es hoy. Necesitábamos construir un mundo que fuera honesto pero elevado. Nuestros dos personajes principales, Jimmie y Montgomery, son mejores amigos y forasteros: orgulloso hombre de la frontera que vive al margen de la sociedad. Quería plasmae San Francisco como lo veía y lo vivía.

Era importante capturar la ciudad, pero también construir un mundo que fuera totalmente exclusivo de las perspectivas de nuestros personajes. Es elevado y humano, un salvaje oeste romántico que es más grande que la vida. Jimmie se tambalea en la línea de la pobreza, pero se porta con un orgullo del viejo mundo, uno que impregna la estética de la película. Para reconocer y aumentar esto, traté de mantener su estatura con lentes más anchos en ángulos bajos, lo que también acercó físicamente al público a Jimmie. Al iluminarlo, lo sacó de su entorno y le dio un guiño sutil a una era más romántica de la cinematografía. Queríamos darle a la audiencia la oportunidad de tomar algo en el medio ambiente y ver la ciudad con todo su hermoso potencial para comprender la complicada relación de Jimmie con San Francisco. Nos obsesionamos con nuestras tomas anchas, abrazamos tomas de viajes largos y nos entregamos a un puñado de montajes impresionistas.

Debido a que gran parte de nuestro talento no era actor (incluido Jimmie), el enfoque siempre parecía necesario para ser simple, honesto y fotográfico. Filmamos una relación de aspecto de 1.66, que abarcaba la verticalidad de la ciudad. Utilizando Arri Alexa con Zeiss Master Primes combinados con una difusión sutil y un excelente LUT de mi antiguo colaborador Damien Van Der Cruyssen en The Mill, creo que logramos crear una apariencia que resalta el pasado y aún nos sentimos extrañamente modernos.

“Luce”

Dir: Julius Onah, DoP: Larkin Seiple

Format: 35mm
Camera: Panaflex Millennium XL
Lens: Panavision Primo, E-, G-Series Lenses

Onah: Desde el principio, filmar en 35 mm fue la única opción real que consideramos. He filmado todos mis proyectos con película y es simplemente el aspecto que me parece más sincero y emocionante. Con «Luce», el objetivo era crear una estética que tuviera un poco de una realidad exaltada y tensa. A Larkin se le ocurrió una gran descripción: “Punchy naturalism”. Significaba algo que todavía se sentía conectado a tierra, pero que era cinematográfico, en este caso, con imágenes saturadas y ricas en contraste. Ambos queríamos abrazar el aspecto de la película y sentir el grano, así que Larkin y nuestro fantástico colorista Alex Bickel golpearon las imágenes un poco. Y crearon una densidad y una ventaja para las imágenes que proporcionaron un peso psicológico al mundo de los personajes.

También era importante que el lenguaje visual se sintiera como si reflejara el espacio de cabeza de nuestro personaje principal, Luce. Es un adolescente muy concentrado, intenso y cerebral. Así que esto significaba una cámara muy controlada, que favorecía los fotogramas equilibrados y también trataba de cubrir las cosas de una sola vez. Una de las ideas temáticas en las que se centra la historia son los límites de nuestra percepción y cómo las maneras en que nos vemos unos a otros configuran el poder y el privilegio en nuestra sociedad. Así que estas tomas únicas y largas también trataron de contar la historia de una manera que permite a la audiencia decidir lo que creen acerca de lo que está sucediendo frente a ellos. Disparar en anamórfico también significó el tipo de pantalla panorámica que permite a nuestros ojos vagar por el encuadre, lo cual fue útil en algunos tiros largos.

Mucho de esto fue bastante desafiante en nuestro calendario, pero Larkin hizo un trabajo increíble para encontrar formas de desarrollar tanto la iluminación como algunos motores realmente dinámicos. También fue su primer largometraje filmado y lo aplastó.

“Ms. Purple”

Dir: Justin Chon, DoP: Ante Cheng

Format: Prores 2.8/3.2k
Camera: Arri Alexa mini
Lens: Todd-ao 55mm anamorphic, Canon 300mm

Cheng: Justin Chon y yo queríamos diseñar un lenguaje visual expresivo para “Ms. Púrpura «, en un paquete eficiente adecuado para nuestra producción indie. Durante la preparación, encontramos la lente anamórfica Todd-AO de 55 mm. La forma en fotografía los rostros es simplemente hermosa. Las características de la imagen varían a través de diferentes stops y la ajustamos al estado de ánimo de la escena. Llevamos los Leica Macrolux Diopters para tener una manera rápida de superar el enfoque mínimo. El 95 por ciento de la película se filmó en el Todd-AO de 55 mm y el resto con un Canon de 300mm. El teleobjetivo esférico cambió la perspectiva y nos permitió hacer tomas en la calle a través de multitudes. Elegimos la versátil Alexa Mini para las tomas de mano extendidas, con un LUT de película de Fuji personalizado. Al final, estamos contentos con el enfoque simple pero específico que logramos.

“Native Son”

Dir: Rashid Johnson, DoP: Matthew Libatique

Format: Arriraw 3.4K
Camera: Arri Alexa Mini
Lens: Todd AO anamorphic lenses, Cooke Vintage Anamorphic Lenses

Libatique: La elección de la cámara fue en gran parte práctica. El factor de forma nos permitió usar un Movi Pro 15, que servía como una plataforma de cámara versátil que nos proporcionaba un cabezal remoto asequible, así como un movimiento similar al de Steadicam con la ayuda de un equipo antigravedad. Esta versatilidad, junto con su facilidad de uso, nos permitió avanzar a un ritmo necesario para tener éxito a pesar de nuestro breve calendario. Lensing fue elegido por nuestro deseo de contar la historia a través de una serie de composiciones. Rashid y yo nos inspiramos en un amor común por las fotos de Roy DeCarava. Su trabajo evocó la emoción a través de un equilibrio de sujeto y espacio en cada fotograma. El marco anamórfico nos dio el espacio negativo, así como el foco que se desprende de esa profundidad añadida a través del enfoque suave de los colores de fondo elegidos por Rashid y Akin, nuestro diseñador de producción.

“Share”

Dir: Pippa Bianco, DoP: Ava Berkofsky

Format: Arri ProRes
Camera: Arri Alexa Mini
Lens: Hawk V-lite, Angenieux anamorphic zooms

Berkofsky: Combinamos la Alexa Mini con los lentes anamórficos Hawk y Angenieux con la idea de que esto nos ayudaría a crear un mundo texturizado y psicológico. En lugar de utilizar la imagen anamórfica tradicional 2.39, utilizamos la relación de aspecto 2.0 que, combinada con las lentes anamórficas, nos ayudó a crear una sensación de claustrofobia y presión. También utilizamos un zoom anamórfico Angenieux de época que era hermoso, pero ópticamente bastante imperfecto. Utilizamos el zoom en momentos muy específicos de la historia, por lo que sus imperfecciones formaban parte del lenguaje visual y agregaban una capa de textura maravillosa.

La opción de usar la Alexa Mini con esta óptica nos dio un nivel de flexibilidad. La cámara tiene una forma muy orgánica de lidiar con la poca luz y la oscuridad, que fue útil porque la mayor parte de la película se realiza de noche y queríamos abrazar y jugar con la oscuridad, no luchar contra ella.

“The Sound of Silence”                                                                                Dir: Michael Tyburski, DoP: Eric Lin

Format: 3.2K Prores 4444
Camera: Alexa Mini
Lens: Zeiss Super Speeds Mark III, Optimo 24-290

Lin: Un elemento central de la película es la obsesión de Peter Lucian con la forma en que el sonido es una fuerza invisible que influye significativamente en nuestro comportamiento. Para descubrir cómo esa obsesión lo ha aislado emocionalmente al tiempo que mejora el acto de escuchar, sabía que querríamos tener la capacidad de alcanzar una profundidad de campo muy baja al grabar. Probamos varios juegos de lentes modernos y antiguos que abrían hasta un T1.4. En última instancia, aterrizamos en los Zeiss Super Speeds porque tenían una reproducción de color más fría, menos saturada y un contraste más suave cuando se usa completamente abierto. Al igual que Peter, que confía en las grabadoras de cinta en su meticuloso trabajo, los Super Speeds aportaron una sensación analógica a la imagen y, al mismo tiempo, también lo fueron. Reflejando la meticulosidad y la rigidez de la existencia de Peter, limitamos el movimiento de la cámara y, al mismo tiempo, limitamos la paleta de colores en el mundo de Peter a muchos marrones, azules y grises. El sensor de Alexa tenía la profundidad de color para resaltar los matices de esa paleta de colores mientras mantenía tonos de piel precisos para que las imágenes no se sintieran completamente monocromáticas. Otra parte central de la mirada fue usar la subexposición y abrazar la oscuridad para dejar espacio para el misterio. Hubo ocasiones en que tiramos tres o cuatro stops subexpuestos y tuve que engañar al exposímetro solo para obtener una lectura. El sensor de Alexa manejó la subexposición profunda a la perfección.

 

“Them That Follow”

Dir: Britt Poulton, Dan Madison Savage DoP: Brett Jutkiewicz

Format: 3.2K ProRes
Camera: Arri Alexa Mini
Lens: Cooke Speed Panchros

Jutkiewicz: La película está ambientada en una comunidad rural de los Apalaches que se siente un poco como si el tiempo pasara sin él, así que quería crear un aspecto con una calidad de otro mundo, algo que no fuera demasiado moderno o nítido. La imagen de Alexa tiene una sensación muy orgánica y fílmica, y los Cookes de época tienen una hermosa suavidad y mucha personalidad en la forma en que generan los flares y reaccionan a las fuentes de luz en el marco. La combinación de los dos ayudó a crear un aspecto de textura, ligeramente etéreo. También quería crear un lenguaje visual arraigado en el viaje emocional de nuestra protagonista Mara, que a menudo significaba un trabajo de cámara táctil muy íntimo y con cámara en mano para poder estar físicamente cerca de nuestros actores, por lo que Alexa Mini fue excelente para mantener el tamaño y la presencia del equipo de la cámara, y el hermoso enfoque de la caída de los lentes, especialmente las tomas abiertas, me permitió aislar a Mara en el marco y crear una experiencia más subjetiva. La mayor parte de la película fue filmada en mano o en un tripie, pero para separar y realzar las escenas de adoración dentro de la iglesia pentecostal de la ciudad, utilicé tomas de movimiento constante y en movimiento, casi como si la cámara misma, como los personajes, hubiera sido superada por El espíritu santo.

“To The Stars”

Dir: Martha Stephens, DoP: Andrew Reed

Format: ProRes 3.2K
Camera: Arri Alexa XT Plus
Lens: Panavision Prim

Reed: estas herramientas fueron elegidas por su familiaridad, versatilidad y excelente reproducción de imágenes. El impresionante rango dinámico y el manejo naturalista de los aspectos destacados de Alexa demostraron ser especialmente importantes para controlar y perfeccionar la estética en blanco y negro de la película. Y trabajar con Panavision para personalizar la afinación de nuestras lentes nos dio grados adicionales de especificidad en términos de contraste y textura al definir el aspecto monocromático que mejor representa nuestra historia de aislamiento y amistad en 1961 Oklahoma.

Grabar una película ambientada en una época histórica (y, en este caso, cuando el cine ya era parte del paisaje cultural) ofrece una gran variedad de desafíos, no solo para describir el período con precisión, sino también para elegir una perspectiva comunicada por nosotros mismos. No estábamos interesados ​​en intentar reproducir una reliquia adhiriéndonos estrictamente a las convenciones de la época o los medios que producía. Tampoco buscábamos imponer sensibilidades contemporáneas, comentando eventos a través de una lente anacrónica. En su lugar, tratamos de lograr un equilibrio delicado, tanto narrativa como técnicamente. Entre otras cosas, nos limitamos principalmente a composiciones y movimientos inspirados en la época, mientras que en ciertos momentos también nos desviamos de este curso para incorporar instancias de tomas en mano o Steadicam. Al reconocer y respetar los modos del pasado, al tiempo que inclinamos juiciosamente nuestro ángulo en la película hacia algo más actual, esperamos que lleguemos a un lugar que sea veraz y revelador para nuestros personajes y su entorno.

 

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