¿Es hora de cambiar las reglas de la edición?

El proceso de edición ha progresado desde el corte físico y el empalme de la película hasta las infinitas posibilidades de la edición no lineal basada en computadora. ¿Es hora de cambiar cómo hacemos las cosas?

Imagen relacionada

En primer lugar, vale la pena señalar que cualquiera que sea la tecnología utilizada, el objetivo del editor sigue siendo el mismo: contar una historia, dar vida a la visión del director y cautivar a la audiencia.

Las primeras ediciones se hicieron accidentalmente: al detener e iniciar la película en la cámara se creaban cortes entre tomas, y algunas de ellas funcionaron. Los primeros pioneros de la era del cine mudo, como D. W. Griffiths, experimentaron con la edición. Introduciendo conceptos como primeros planos, tomas de reacción y acción paralela. Su película El nacimiento de una nación es considerado un hito en la historia del cine.

Poco a poco, la edición se convirtió en un lenguaje visual, y como el habla o la palabra escrita tiene su propia gramática y reglas. Algunas de esas reglas fueron codificadas por Edward Dmytryk, director y editor de Hollywood de la década de 1950, en su libro On Film Editing. Walter Murch, editor de Apocalypse Now, The Godfather y The English Patient, ganador de un Oscar, también escribió un libro de edición extremadamente influyente llamado In the Blink of an Eye.

Las reglas básicas de edición se pueden desglosar de la siguiente manera:

  • Los cortes deben ser imperceptibles, de modo que cada toma pase a la siguiente sin llamar la atención sobre el hecho de que se ha producido un corte. Hay un momento en cada toma donde el espectador quiere ver otra cosa; una mirada de un actor puede conducir el corte a lo que están mirando.
  • Los cortes deben ocurrir en un punto lógico de la toma y deben mantener la continuidad. Normalmente, la historia progresa en orden cronológico y la edición debe reflejar eso.
  • Los cortes en la acción pueden crear la ilusión de un movimiento continuo. Por ejemplo, un personaje alcanza un tirador de la puerta en un plano amplio y el corte al primer plano de la mano que sujeta el tirador ocurre durante el movimiento.
  • Se debe mantener el sentido de la dirección de la pantalla, también conocido como «Cruzar la línea». Al editar dos personajes en una conversación, si imaginas una línea invisible entre ellos, la cámara no debe cruzar la línea mediante una edición (eje de acción). Esto significa que el personaje a la izquierda del plano siempre estará mirando a la derecha de pantalla y el personaje a la derecha siempre estará mirando a la izquierda. De esta manera, el público entiende la relación entre los personajes y no se confunde sobre quién está hablando con quién.

Resultado de imagen para axis of action

  • Se deben usar diferentes tipos de tomas (amplia, media, cercana) para guiar la atención del espectador. Es común comenzar con una toma abierta para establecer la escena y luego acercarse, pero a veces es posible que desees comenzar con un primer plano y luego revelar más de la escena más adelante.
  • El ritmo de los planos debe utilizarse para crear humor o tensión. La velocidad de las ediciones y el ritmo de los cortes pueden dar ritmo y estado de ánimo a la secuencia.
  • La duración de la escena se determina según la cantidad de información que contenga el plano, y una vez que haya cumplido su propósito, no debe detenerse. Una toma de un vaso sobre una mesa no mantendrá la atención del espectador por mucho tiempo, un tiro ancho de un carnaval con cientos de personas moviéndose a través de la toma puede mantener su atención por mucho más tiempo.

Rompiendo las reglas y haciéndolas evolucionar

Por supuesto, cada una de estas «reglas» puede romperse y, en muchos casos, las ediciones funcionan incluso cuando rompen las reglas. Stanley Kubrick cruzó ejes para crear una sensación de incomodidad en The Shining, y Christopher Nolan creó Memento para contar la historia completamente fuera de secuencia.

Un uso prominente del «intercambio visual» que resulta de cruzar la línea de 180 ° en la famosa escena del baño de The Shining. Jack Torrance (Jack Nicholson), el recién contratado y mentalmente inestable cuidador del Overlook Hotel, se enfrenta al fantasma de Delbert Grady (Philip Stone) en el baño del bar del hotel, donde Jack se va a limpiar después de derramarse una bebida sobre él. . Parte del impacto que Kubrick deriva del corte a través de la línea de 180 ° en esta escena proviene de la composición altamente simétrica de cada plano, utilizando una perspectiva de punto único donde la ortogonal del techo y el marco del piso convergen en los dos personajes centrados, enmarcados en un plano americano o toma amplia con una lente corta, antes de que la escena se convierta en una sola. Los «intercambios visuales» simétricos chocan cuando Kubrick cruza la línea, creando una metáfora visual que une a Jack y al Sr. Grady como un personaje socialmente aislado e inestable capaz de asesinar.

Hoy en día, la edición es accesible para casi todo el mundo y muchas de las piezas que se cargan en YouTube o Vimeo han sido editadas por personas sin capacitación formal en edición, por lo que nunca se les ha enseñado estas reglas. Sin embargo, aún logran una visualización convincente (¡en algunos casos!).

De la misma manera que los bebés aprenden a hablar copiando a sus padres, los jóvenes cineastas de hoy han crecido viendo películas, TV, videos y YouTube. Han aprendido cómo funciona la edición por ósmosis y ahora tienen las herramientas para poder filmar y editar sus propias películas. Rompen las reglas, pero de la misma manera en que los idiomas hablados evolucionan con nuevas palabras y jerga, también lo hacen los nuevos estilos de edición donde las reglas antiguas no son ciertas. La forma en que se edita un video de skateboarding en GoPro será completamente diferente de una película corta filmada en una Canon 5D.

Resultado de imagen para video framing

Creo que una cosa que el aprendizaje de las reglas de edición nos enseña es que debes empezar a pensar en la edición antes de la sesión fotográfica. Bloquear escenas y decidir dónde ubicarás la cámara en relación con el sujeto, para tener un efecto en la composición de tus tomas, que a su vez afecta tus posibilidades de edición.

Si planeas tu sesión de forma precisa, tardarás menos y tu edición será más sencilla. Es mucho más fácil planear algunos cortes en la ubicación que tratar de cubrir cortes de salto en la edición.

Los saltos en las entrevistas son un buen ejemplo. Ahora es fácil cortar una entrevista en términos de audio para que el sujeto diga exactamente lo que quieres, pero cubrir esos cortes con cortes o B-Roll solo es posible si lo grabaste. Se está convirtiendo en un lugar común para que las entrevistas se dejen con cortes de salto en la locación, lo que al menos es honesto acerca de cómo se ha editado la pieza, pero al mismo tiempo es visualmente discordante y distrae de lo que se está diciendo.

En la NAB de este año, Adobe anunció una nueva función para Premiere Pro: el ‘Morph Cut’. Esto analizará los planos a cada lado de un corte de salto y hará un seguimiento de las características del sujeto, lo que te permitirá crear marcos intermedios para unir los dos planos a la perfección, ocultando así el corte. No estoy segura de si esto es algo bueno o no, ya que pronto no podremos confiar en lo que alguien está diciendo en la cámara, ya que el editor podría haber cambiado completamente su significado.

Resultado de imagen para Premiere Pro: el ‘Morph Cut

¿Qué piensas? ¿Las reglas de edición siguen siendo útiles? ¿Necesitas conocer las reglas de edición para saber cuándo romperlas? Haznos saber tu opinión en los comentarios.
Como Martin Walsh, editor de Chicago y V para Vendetta, dijo: «No aceptes que hay reglas. En la edición, todo el punto es desafiar cada convención «.
What's your reaction?
0Facebook